SaintAmbroise. Le Panic Room est devenu en quelques années l’un des spots-clé de la vie noctambule rue Amelot, déjà réputée pour ses bars comme le Pop In et le Zéro Zéro. D’ailleurs, un quatrième bar vient d’ouvrir : les 4 Eléments, davantage branché électro. Cette boîte qui a pourtant eu du mal à se positionner à ses Fourà micro-ondes pop-corn AMÉRICAIN de POP CORN Label ENTREPRISE du Beurre - merci de calligraphie. 791*1024. 135.84 KB. Pop-corn maïs soufflé Cracker Jack Food AMÉRICAIN de POP CORN SOCIÉTÉ - pop corn. 875*1000. 0.67 MB. Le musée d'Art de pop-corn POP AMÉRICAINE de MAÏS de la SOCIÉTÉ Jolly Temps Koated Noyaux - pop corn. Difficilede ne pas faire le lien avec les révélations de Queen B. Qui plus est, ce n’est pas la première fois que le nom de cette styliste de 42 ans, Américaine aux origines hollandaise et Promotionsensoleillées ☀️Profitez jusqu'à - 20% sur tout le site. /. Home ›. Photo ›. Style Photographie de paysage ›. Timothy O'Sullivan ›. Canonnière américaine ›. Commandez la reproduction d'art Canonnière américaine de Timothy O'Sullivan. Lachanson s’appelle Break My Soul, et le moins que l’on puisse dire, c’est que ça déménage.Le BPM (battement par minute) est élevé, les harmonies de Queen B se mêlent parfaitement à l’instrumental, se situant quelque part entre la dance et la house, agrémenté des grosses voix classiques de DJ afro américains comme on les aime. Etce Top 10 des tubes estivaux au Vietnam se conclue de la plus belle des façons, avec la bande-son du Roi Lion, initialement interprétée par Elton John reprise aujourd’hui par mAKxNu. Certains médias et internautes américains suspectent Beyoncé d’avoir fait un blanchiment de peau et d’avoir eu recours à la chirurgie esthétique… Star interplanétaire, proche des hauts dignitaires de ce monde, Beyoncé est l’une des plus grandes artistes du 21ème siècle. Jay-Z, son mari, a même osé la comparer à Michael Jackson il y a quelques semaines, ce qui lui a toutefois valu quelques critiques virulentes. Ce statut, elle l’a avant tout acquis grâce à son immense talent qui lui a permis d’accomplir une carrière musicale exemplaire, mais aussi grâce à la gestion de son image, et parfois même à son implication – souvent en chanson – dans la politique, et la défense des droits de la communauté afro-américaines. Selon certains médias US, il semblerait toutefois que Queen B ait eu recours à de la chirurgie, ce à quoi avait eu recours Michael Jackson justement ! Sur les réseaux sociaux, nombreux sont les internautes à déclarer que l’artiste de 41 ans “ressemble maintenant à une femme blanche”, alors qu’elle a pris la pose dans le cadre d’une campagne publicitaire pour la collaboration entre Adidas et sa marque, Ivy Park. Comme le montrent les 2 photos ci-dessous, outre sa couleur de peau plus claire qu’à l’accoutumée, la forme du visage semble elle aussi avoir légèrement changée. Simple retouche Photoshop et autres effets du maquillage ou véritable passage sur le billard ? Les fans s’intérrogent. En outre, les tabloïds US relèvent aussi une possible chirurgie au niveau des joues ainsi qu’une touche de botox autour des yeux… avant après Who is this white woman? — ♕ A̶N̶G̶E̶L̶ ♕ IBeenCrowned February 7, 2022 very white woman. she’s coming 😭 — feeling lost but i like it blackandumb February 7, 2022 À LIRE AUSSI Jay-Z et Beyoncé tous 2 présélectionnés pour l’Oscar de la Meilleure chanson ! Une légende absolue Si elle forme aux côtés de Jay-Z l’un des couples les plus célèbres de la planète, c’est bien seule que Beyoncé a tracé sa route. De ses débuts avec les Destiny’s Child jusqu’au lancement de sa carrière solo, Bey a toujours drivée son parcours d’une main de maître d’abord aux côtés de son père, qui l’a longtemps managée, au point de devenir une véritable icône de la musique, mais aussi de la pop culture. Avec 118 millions de disques écoulés dans le monde, elle fait partie des plus gros vendeurs de tous les temps. Et des records, Beyoncé Knowles en a à la pelle, elle qui s’est placée comme la 1ère artiste à classer ses 6 premiers albums solo à la 1ère place du Billboard Hot 200, elle qui a reçu 28 Grammy Awards, 26 MTV Video Music Awards, 24 NAACP Image Awards, 31 BET Awards et 17 Soul Train Music Awards. Une armoire à trophée qui pourrait faire pâlir la grande majorité des plus grands noms de l’histoire de la musique… Tags associés Commentaires Cardi B, John Lennon et Dolly Parton. - AFP - Montage Etats-Unis, les candidats démocrates ou républicains choisissent avec soin la bande son de leur chaque meeting, Elizabeth Warren, la candidate démocrate à la présidentielle américaine, attend que les premières notes de piano du tube "9 To 5" de la star de la country Dolly Parton commencent à résonner pour s'élancer sur une estrade et saluer son public, déjà chauffé à chanson qui l'accompagne dans ce rituel décrit le quotidien des travailleurs américains, "Travailler de 9h00 à 17h00, quelle façon de gagner sa vie/ On s'en sort à peine, on donne tout on reçoit rien", et sa sélection n'est pas le fruit du sénatrice de 70 ans marquée à gauche rivalise avec 14 autres prétendants de la primaire démocrate à coup de playlists, meetings, et chorégraphies de militants, courtisant les électeurs de 50 Etats pour déterminer qui affrontera Donald Trump en l'image d'un candidat"La musique utilisée par les candidats est choisie avec beaucoup de soin, pour attirer un certain public ou construire l'image d'un candidat qui résonne avec l'électorat", analyse pour l'AFP Jacob Neiheisel, expert politique à l'université de de conforter son message, le socialiste Bernie Sanders commence ses rassemblements aux sons de Power to the People "Le pouvoir au peuple" de John Lennon, ode au militantisme des années Biden, plus centriste, revendiquant volontiers le surnom de "Middle Class Joe" "Joe de classe moyenne" quitte ses meetings avec la voix rocailleuse du chanteur country Kenny genre musical s'exporte peu en dehors des Etats-Unis, mais est extrêmement populaire dans le pays, notamment auprès d'une frange plus conservatrice et l'électoratL'ancien vice-président de Barack Obama, qui ne manque jamais une occasion de rappeler sa proximité avec le premier président noir des Etats-Unis, a aussi pris le soin d'inclure une proportion quasi égale d'artistes blancs et noirs dans sa démocrate Julian Castro, seul candidat hispanique dans la primaire, fait quant à lui jouer beaucoup de musique latine dans ses événements, notamment de la star d'origine mexicaine Selena, tentant ainsi de séduire cet électorat crucial dans l'optique de les candidats, faire campagne en chanson, c'est aussi créer un moment mémorable pour son public. Et la technique ne date pas d' Sanders et Ariana GrandeL'ancien président démocrate Bill Clinton, grand amateur de jazz, avait joué avec succès cette carte son interprétation au saxophone de Heartbreak Hotel d'Elvis Presley dans un talk-show avait été reçue avec enthousiasme avant son élection en les démocrates, traditionnellement plus populaires auprès des jeunes que leurs adversaires, la musique est un bon moyen de parler aux 18-25 ans, un électorat clé mais qui se mobilise de campagne de Pete Buttigieg, maire de 37 ans et plus jeune candidat de la course, a ainsi fait le buzz avec une chorégraphie sur le tube pop récent High Hopes, de Panic! at the Disco, imitée par de nombreux internautes sur les réseaux sociaux et désormais reproduite aux meetings du Sanders joue aussi de ses soutiens dans le monde de la pop, traditionnellement démocrate, pour tenter de ramener des jeunes aux urnes, comme il l'avait fait en 2016. Après avoir reçu les louanges de Cardi B, ancienne stripteaseuse et désormais célèbre rappeuse, le septuagénaire aux cheveux blancs en bataille s'affichait récemment, bras-dessus bras dessous sur Instagram avec la princesse de la pop Ariana Grande, aux 168 millions d' "incompatibles"Côté républicain, le président Donald Trump choisit pour ses meetings des morceaux aux accents populaires et patriotiques, comme "God Bless the de Lee Greenwood, de la country des années 1980 un peu passée de mode mais expressément destinée à son certains choix engendrent leur lot de diffusion de l'envoûtant Nessun Dorma, repris par Luciano Pavarotti, donnant une impression de grandeur et de puissance auprès de sa marée de casquettes rouges, a ainsi valu à Donald Trump les protestations de la famille du ténor défunt, qui jugeait ses valeurs "incompatibles" avec celles du milliardaire Rolling Stones, pour You Can't Always Get What You Want, Queen pour We are the Champions, Adele, Neil Young... de nombreux artistes ou leurs héritiers ont eux aussi dénoncé l'usage de leurs oeuvres pendant les rassemblements républicains. Queen est un groupe de rock britannique, formé en 1970 à Londres par Brian May, Roger Taylor et Freddie Mercury, tous trois issus du groupe Smile. L’année suivante, le bassiste John Deacon vient compléter la formation et Queen prend son nom définitif. Groupe britannique qui a connu le plus grand nombre de succès commerciaux ces trente dernières années[2], certains sites prétendent que le groupe aurait vendu plus de 300 millions de disque dans le monde, il sont également l'un des pionniers du clip vidéo ayant exploité avec succès ce mode de communication dès 1975, Queen a conservé, malgré la mort de son leader Freddie Mercury en 1991, de très nombreux admirateurs inconditionnels dans le monde entier. Vers la fin des années 1960, le guitariste Brian May et le batteur Roger Taylor sont membres d’un groupe semi-professionnel dans la région de Londres, nommé Smile, avec Tim Staffell en tant que bassiste-chanteur. Freddie Mercury, qui, à cette époque, porte toujours son vrai nom, Farrokh Freddie » Bulsara, est l’ami et camarade de chambre de Tim Staffell au Ealing Art College et suit de près la carrière du groupe. En tant que meneur et chanteur d’autres groupes universitaires, tels qu’Ibex en 1969 et Sour Milk Sea en 1970, Mercury a très envie de partager ses aspirations musicales et artistiques afin que Smile puisse aller plus loin. Finalement, Tim Staffell quitte Smile pour un autre groupe, Humpy Bong, et Mercury doit pousser Brian May et Roger Taylor à continuer l’aventure. Au passage, il finit par imposer leur nouveau nom, Queen, qui remplit plusieurs critères chers à Mercury court et donc facile à retenir, assez pompeux et irrévérencieux à la fois - queen signifiant reine », mais également homosexuel » en argot britannique. Le groupe procède à des essais avec plusieurs bassistes au cours de cette période, sans grand succès. Parmi les bassistes méconnus ayant auditionné et joué avec le groupe, on peut noter Mike Grose jusqu'en août 1970, Barry Mitchell jusqu'en janvier 1971 ou encore Doug Bogie jusqu'à l'arrivée de John Deacon en février 1971. A l'aube d’un son unique Il leur faudra attendre février 1971 pour rencontrer John Deacon et commencer à répéter pour l’enregistrement de leur premier album. Au début de sa carrière, Queen est un groupe profondément influencé par de nombreuses références issues du rock progressif. Principalement, des compositions de durées assez longues, une orchestration complexe, et des paroles basées sur un monde onirique ou fantastique. Cette tendance est tout particulièrement notable dans leurs deux premiers albums. En 1973 sort donc chez EMI leur premier album, Queen, qui recevra une excellente critique de la part de Gordon Fletcher du magazine Rolling Stone. Il en dira leur premier album est superbe », bien qu’il ait, comme l’a fait remarquer May, été enregistré avec peu de moyens, dans des conditions difficiles et ait demandé deux ans de travail. Pour le Chicago Herald, il s’agit d’ un début au-dessus de la moyenne ». Malgré cela, l’album n’arrive pas à capter l’attention du public, puisque le single Keep Yourself Alive, composé par Brian May, se vend mal. Ce premier opus est fortement teinté de heavy metal et de rock progressif. En 1974 sort l’album Queen II, nommé ainsi en référence aux albums de Led Zeppelin dont les titres comportent alors le nom du groupe suivi d’un numéro. On y trouve quelques-unes des rares compositions du groupe faisant la part belle à la guitare acoustique. C’est à partir de ce moment que Queen commence à se constituer un public et à réussir commercialement parlant. Dans cet opus, leur style est plus abouti, ils se lancent dans une musique rock mélangeant solos psychédéliques, envolées baroques et effets flamboyants, jouant avec les chœurs et multipliant les changements de rythmes. Alors qu’ils partent en tournée aux États-Unis avec Mott the Hoople dont ils assurent la première partie, ils commencent à se faire remarquer pour leurs prestations scéniques engageantes et de bonne facture. L’album finira 5e dans le classement des meilleures ventes au Royaume-Uni, le single sélectionné, Seven Seas of Rhye, se hissant quant à lui à la 10e place de sa catégorie et offrant ainsi au groupe son premier réel succès. Cependant, malgré la tournée, les ventes aux États-Unis ne décollent toujours pas. Plus tard, la même année, le groupe enregistrera et sortira l’album Sheer Heart Attack. L’album se vend aussi bien au Royaume-Uni qu’en Europe en général et finit disque d’or aux États-Unis, donnant au groupe un avant-goût des succès à venir. On y retrouve un mélange de styles assez étonnant, allant du music hall britannique au heavy metal en passant par des ballades, du ragtime et même un peu de musique des Caraïbes. C’est à partir de cette période que Queen se dissocie du mouvement rock progressif des débuts, pour se rapprocher d’un style de musique plus aisément diffusable à la radio. Le titre Killer Queen grimpe au second rang du classement britannique, et entre finalement dans les classements américains, à la 12e place. Il s’agit d’une intéressante composition teintée de vaudeville façon music hall, servie par le jeu de guitare de Brian May. Le second single, Now I’m Here, de facture hard rock plus classique, finira à la 11e place en Grande-Bretagne. Pour la tournée de promotion 1974 de Sheer Heart Attack, Queen rejoue au fameux Rainbow Theater de Londres, salle que le groupe a eu l'occasion de découvrir plus tôt en mars la même année. Lorsque le film-concert de Led Zeppelin, The Song Remains the Same, sortira dans les salles en 1975, des extraits de ce concert de Queen seront diffusés en début de projection. Au cours de l’année 1975, Queen enregistre et sort A Night at the Opera. À l’époque, c’est l’album le plus cher jamais produit. Il comprend l’immense succès international Bohemian Rhapsody, composé par Freddie Mercury et qui demande à elle seule trois semaines de travail en studio. Ce titre sera numéro 1 pendant neuf semaines consécutives à sa sortie, puis encore cinq semaines d’affilée lorsque Mercury viendra à décéder, en 1991. En 1992, le succès du film Wayne’s World auprès du jeune public donnera un second souffle à ce morceau. Au final, ce titre finira troisième single britannique le plus vendu de tous les temps. La maison de production du groupe il s’agit alors de Trident, label du groupe EMI souhaitait à l’origine raccourcir le morceau pour faciliter sa diffusion radio. You’re My Best Friend, second single, une des rares compositions de John Deacon, s’offrira lui aussi un beau succès mondial. Globalement, l’album est d’une richesse et d’une diversité peu communes pour l’époque. Par exemple, sur The Prophet’s Song, long de huit minutes, le groupe joue sur les mouvements » de son en stéréophonie et une simple phrase vocale répétée grâce à l'effet delay sur de multiples pistes donne une impression de chant choral à l’ensemble. Énorme succès dans leur pays d’origine, l’album offrira à Queen un triple disque de platine aux États-Unis. À la même époque, leur manager, Jim Beach, négocie la rupture du contrat liant Queen au label Trident et quitte la direction commerciale du groupe. Parmi les options proposées à Queen, on peut noter la proposition faite par Peter Grant, manager de Led Zeppelin. Cependant, ce dernier souhaite les signer sur la propre maison de disques de ce groupe, ce que Queen ne peut accepter. Ainsi, ils finiront par contacter John Reid, qui s’occupe entre autres d’Elton John. En 1976, le groupe retourne en studio pour enregistrer ce qui sera souvent perçu comme le pendant du précédent album, A Night at the Opera. Intitulé A Day at the Races, titre lui aussi emprunté à un film des Marx Brothers, il reprend une couverture assez similaire à son prédécesseur, avec une légère variation du logo, cette fois-ci sur un fond noir. Quoique très bien reçu, tant par les critiques que par les inconditionnels du groupe, l’album peine à égaler A Night at the Opera et se vend moins bien. Le titre phare de l’album, Somebody to Love, s’inspire du gospel et Mercury, May et Taylor multiplient leurs prises de voix en studio afin d’en faire un chœur de cent personnes ». Ce titre prendra la 13e place des classements aux États-Unis et la seconde place au Royaume-Uni. Cette même année, Queen donne un fameux concert gratuit à Hyde Park, Londres. L’auditoire sera officiellement estimé à 150 000 personnes, bien que plusieurs sources avancent un chiffre proche des 180 000. Plus généralement, la fourchette oscille entre 150 000 et 200 000. En comparaison, le concert du Live 8 2005 donné à Londres, qui a rassemblé certains des plus grands artistes de ces dernières décennies au nombre desquels The Who, U2, Madonna, Coldplay, Elton John et Robbie Williams et a vu se réunir pour l’occasion le groupe Pink Floyd, a attiré une audience estimée à 150 000 personnes. Continuité dans le succès En 1977 sort News of the World. Bien qu’assez durement critiqué à son arrivée dans les bacs, l’album gagnera son public avec le temps et finira par être considéré comme un incontournable du style hard rock de la fin des années 1970. Deux nouveaux succès en seront tout de même issus, qui deviendront par la suite des hymnes sportifs dans le monde entier We will rock you de Brian May et We are the Champions de Freddie Mercury. Les deux titres finiront N°4 aux États-Unis. C’est d’autre part avec cet album que la France va finalement s’intéresser au groupe. Roger Taylor sort cette année-là son premier travail en solo, sous la forme d’un single. La face A est une reprise du groupe The Parliaments, I Wanna Testify, tandis que la face B est une composition originale de Taylor, Turn On the TV. S’ensuit la sortie, en 1978, de l’album Jazz, incluant les désormais classiques Fat Bottomed Girls, Bicycle Race qui seront tous deux sortis sur le même 45 tours et Don't Stop Me Now. Bien qu’étant incontestablement un succès commercial, Jazz est assez critiqué, entre autres à cause de la multiplicité des styles musicaux abordés. Ironiquement, le magazine Rolling Stone sortira cette pique Queen n’a pas assez d’imagination pour jouer du jazz. En l’occurrence, ils n’ont pas non plus l’imagination nécessaire pour jouer du rock & roll ». La pochette de l'album s’inspire d’une peinture alors visible sur le mur de Berlin. Parmi les morceaux de cet album, on peut noter Mustapha, performance vocale d’inspiration arabisante signée Mercury. D'ailleurs, il ne chante pas dans une langue existante, certains ayant pensé reconnaître du persan ou de l’arabe, mais improvise des sonorités aux consonances orientales. Queen attaque les années 1980 avec l’album à succès The Game, qui s’avèrera être leur opus le mieux vendu en dehors des compilations Greatest Hits. Ce sera également leur plus gros succès aux États-Unis, avant un déclin sensible des ventes dans ce pays. Utilisant pour la première fois des synthétiseurs, le groupe bouleverse sa propre tradition. En effet jusqu’ici les albums arboraient, non sans fierté, la mention No synthesizers were used on this record », soit en français aucun synthétiseur n’a été utilisé sur cet album ». On retrouve sur the Game les tubes Crazy Little Thing Called Love et Another One Bites the Dust, succès planétaire composé par Deacon. Le premier de ces deux morceaux est une percée clin-d’œil dans le monde du rockabilly, Mercury allant jusqu’à prendre une guitare folk tant en studio que sur scène. Pour sa part, Brian May délaisse très provisoirement sa célèbre guitare, la Red Special. Il utilise exceptionnellement une Fender Telecaster, empruntée à Roger Taylor et un amplificateur Mesa Boogie. Là aussi, c’est un changement, May étant d’habitude fidèle à son ou plutôt ses Vox AC 30. Pendant plusieurs années, une rumeur populaire a voulu que ce soit Michael Jackson qui, le premier, leur ait glissé que Another One Bites the Dust ferait un excellent single. Ce dernier morceau, certifié quatre fois disque de platine aux États-Unis et resté numéro un des ventes dans ce pays pendant quatre semaines consécutives, aura aussi été le seul à apparaître simultanément en tête des classements rock, dance et R&B du magazine Billboard. En parallèle sort également leur premier Greatest Hits, compilation composée de leurs chansons les plus populaires de la période 1974-1980. L’album restera longtemps numéro un des ventes en Angleterre, et conservera une place dans les classements pendant un peu moins de dix ans. C'est l'album qui s'est le mieux vendu de l'histoire de l'industrie musicale dans ce pays, jusqu'au moins début 2007. Toujours en 1980, Queen signe et sort en album la bande originale du film Flash Gordon, qui porte pour titre complet Flash Gordon Original Soundtrack Music by Queen. L’album se vend assez mal, se hissant tout de même péniblement au 10e rang au Royaume-Uni, mais sert néanmoins de démonstration technique au groupe dans un nouveau domaine. Roger Taylor, de son côté, sort son premier album solo, intitulé Fun in Space. En remplissant, en 1981, les stades brésiliens de Rio de Janeiro et São Paulo, le groupe conquiert le cœur des Sud-Américains. Il est d’ailleurs le premier groupe majeur à jouer dans cette partie du monde et, au Morumbi Stadium de São Paulo, il décroche un record mondial d’affluence sur une seule soirée avec une audience estimée à 130 000 spectateurs le premier soir. Queen est également le premier groupe d’envergure internationale à tourner au Mexique. Pour clore l'année 1981, Queen collabore, pour la première fois, avec un artiste extérieur au groupe, en la personne de David Bowie, pour le 45 tours Under Pressure. L’affaire est issue d’un hasard complet, Bowie visitant alors les studios de Montreux Suisse dans lesquels Queen procède à l’enregistrement de leur prochain album, Hot Space. Si le groupe s’enthousiasme tout de suite pour le projet et son résultat, Bowie, pour sa part, attendra des années avant d’ajouter ce morceau à son répertoire en concert. À sa sortie, le titre monte à la première place des ventes en Grande-Bretagne. En 1990, Vanilla Ice en reprendra d’ailleurs la ligne de basse pour son célèbre Ice Ice Baby, ouvrant la voie à un procès pour plagiat, gagné par les plaignants. Récemment, The Used et My Chemical Romance ont réenregistré Under Pressure afin de lever des fonds en faveur des victimes de l’ouragan Katrina. Inspirés par le succès international du morceau Another One Bites the Dust, Queen décide que leur prochain album devrait logiquement se tourner vers les musiques disco et funk. Le résultat sera Hot Space, en 1982. Pour les fidèles du hard rock et inconditionnels du groupe, c’est une déception puisqu’un seul des onze titres est orienté rock. Le groupe se lance dans une tournée des États-Unis. Les résultats étant très décevants, le groupe décide de cesser de tourner dans ce pays, où leur succès s’est étiolé. Cependant, ils apparaîtront une seule et unique fois à la télévision américaine pour la première émission de la huitième saison du célèbre Saturday Night Live. Queen quitte également Elektra Records, leur compagnie pour les États-Unis, le Canada, le Japon, l’Australie et la Nouvelle-Zélande, et signe avec EMI/Capitol Records pour assurer leurs ventes au niveau mondial. Retour au rock Après avoir travaillé sans relâche pendant plus de dix ans, sur scène ou en studio, Queen décide de ne pas assurer de tournée pour l’année 1983. Pendant cette parenthèse, le groupe enregistre l’album The Works et plusieurs membres du groupe lancent des projets annexes, causant d’incessantes rumeurs de séparation qui perdureront pendant tout le reste de leur carrière. May sort le mini-album Star Fleet Project, auquel collabore, entre autres, Eddie Van Halen. À la sortie de The Works, Queen établit un pont entre rock et pop grâce à des titres comme Radio Ga Ga, I Want to Break Free qui sera utilisé comme hymne par le mouvement démocratique brésilien tout d’abord, puis comme musique publicitaire par la compagnie Coca-Cola, et les tubes hard rock Hammer to Fall et Tear it Up, taillés pour les concerts. Malgré ces qualités, l’album se vendra à nouveau très moyennement aux États-Unis. Jusqu’à I Want It All en 1989, qui se hissera au 3e rang du United States Mainstream Rock chart, Radio Ga Ga sera le dernier titre de Queen à faire une entrée correcte dans un classement américain. Le clip du morceau I Want to Break Free est une parodie d’une série télévisée britannique célèbre, intitulée Coronation Street. Cependant, comme les membres du groupe y apparaissent travestis, le public n’a pas vraiment saisi la référence, sans doute influencé par la réputation sulfureuse de Mercury. Fin 1984, Queen s’embarque pour une série de dates au Bophuthatswana en Afrique du Sud, dans la ville de Sun City. À leur retour en Angleterre, ils sont le sujet de virulentes critiques, ayant joué dans ce pays aux pires heures de l’apartheid. Ils rétorqueront qu’ils n’ont fait que jouer de la musique à qui voulait bien l’entendre, et qu’en plus, le public de ces soirées était intégré ». Suite à cette polémique et aux sanctions prises à leur encontre, ils reconnaîtront plus tard que cette tournée était une erreur de leur part. 1985 s’ouvre par deux apparitions au festival Rock in Rio. À deux heures du matin, le 12 janvier, Queen ouvre l’évènement en jouant devant 325 000 personnes, établissant ainsi un nouveau record. Ils rejouent le 19 janvier pour clore le festival et remplissent à nouveau les 325 000 places disponibles. Au Live Aid, qui se tient à Wembley le 13 juillet 1985, les qualités de Queen en tant que groupe taillé pour la démesure explosent. Aux yeux des critiques comme des fans, Mercury s’approprie le spectacle, jouant quelques-uns des meilleurs morceaux du répertoire et captivant l’auditoire par son talent musical et scénique. Ragaillardis par ce succès, qui d’ailleurs fait à nouveau exploser les ventes de disques, Queen décide de mettre un nouveau single sur le marché, intitulé One Vision. Il s’agit d’un morceau rapide et axé sur le jeu de guitare qui sera, fait encore inhabituel à l’époque, mis au crédit des quatre membres du groupe. Il sera par ailleurs utilisé dans le film Aigle de Fer. Cette même année 1985, Freddie Mercury sort son premier album solo, Mr. Bad Guy. Début 1986, Queen enregistre l’album A Kind of Magic, contenant plusieurs titres destinés au film Highlander sorti la même année, ainsi que d’autres morceaux inspirés par le film, à défaut d’être retenus pour la L’album est un grand succès, ainsi que la déclinaison de singles A Kind of Magic, Friends Will Be Friends, Who Wants to Live Forever et enfin Princes of the Universe. Plus tard cette même année, Queen se lance dans une tournée à guichets fermés, le Magic Tour, afin de promouvoir l’album. Le point d’orgue en sera un concert sur deux soirées au stade de Wembley, qui sortira sur de multiples supports album, VHS et plus tard DVD sous le nom de Queen Live At Wembley Stadium et est considéré comme l’ultime témoignage des performances live du groupe. Suite à ce succès, ils tentent de réserver le stade un troisième soir afin de satisfaire ceux qui n’ont pas pu obtenir de place, mais un autre évènement est déjà prévu ce jour-là. Ils se rabattent donc sur le parc de Knebworth. Les billets se vendent tous en deux heures, et 125 000 personnes se pressent pour voir ce qui sera l’ultime concert de Queen dans sa formation originelle. Au final, le Magic Tour reste leur plus importante tournée, jouée devant un total estimé à un million de spectateurs. Rien qu’au Royaume-Uni, on dénombre 400 000 personnes, le record de l’époque pour une tournée. Après avoir travaillé sur plusieurs projets personnels courant 1988, dont le fameux Barcelona de Mercury en duo avec Montserrat Caballé, Queen sort l’album The Miracle en 1989. De la même veine que A Kind of Magic, le groupe y développe un son pop-rock raffiné, accompagné de quelques titres plus lourds, et donne naissance aux succès européens I Want It All, Breakthru, The Invisible Man, Scandal et The Miracle. Queen annonce que l’album ne sera pas suivi d’une tournée. Mercury déclare qu’il est personnellement responsable de ce choix, souhaitant simplement rompre le cycle album-tournée établi jusqu’ici. Les rumeurs de séparation réapparaissent, certains spéculant sur d’éventuels problèmes de santé pour Mercury. The Miracle constitue également un changement d’orientation dans la philosophie d’écriture musicale de Queen. Depuis les débuts du groupe, presque tous les morceaux sont écrits et signés par l'auteur des paroles seul, les autres membres ajoutant le minimum de créativité personnelle, aidant ainsi l’auteur à concrétiser sa vision. Dorénavant, l’écriture devient réellement collective et, bien que l’on puisse dire que les idées de départ aient pour origine un membre du groupe en particulier, c’est Queen dans son ensemble qui est crédité comme auteur des morceaux. Décès de Freddie Mercury et derniers albums C'est à Montreux que le dernier album de Queen sera écrit et produit juste avant la mort de Freddie Mercury Se propageant dès la fin des années 1980 dans la presse à scandale, la rumeur veut que Freddie Mercury soit atteint du sida. Bien que les soupçons soient fondés, Mercury dément régulièrement. Néanmoins, le groupe décide de continuer à produire des albums en gardant le secret. En novembre 1990, le groupe signe un nouveau contrat avec Hollywood Records filiale de Disney pour les États-Unis, celui avec Capitol Records arrivant à son terme et EMI conservant le sien pour le reste du monde. Le nouveau contrat américain a provoqué une petite révolution dans l'industrie du disque car le label Hollywood Records n'a été créé qu'en 1989 et en dehors de son affiliation avec le groupe de loisirs Disney, il est loin d'être considéré comme un major du disque, le label ne produisait que des jeunes artistes. Le label profite alors de cet ajout à son catalogue pour rééditer l'album Greatest Hits L’ère s’ouvre avec The Miracle et se poursuivra, en 1991, avec Innuendo. Bien que sa santé se détériore, Mercury poursuit courageusement sa contribution artistique, travaillant avec une réelle ferveur. Au nombre des meilleurs morceaux présents sur l’album, on peut évoquer le titre éponyme, Innuendo, le décalé I’m Going Slightly Mad et les hymnes désormais classiques, The Show Must Go On et These Are the Days of Our Lives. Le 23 novembre 1991, Mercury, dans un communiqué préparé sur son lit de mort, admet finalement qu’il souffre du SIDA. Dans les 24 heures suivantes, il décède, à l’âge de 45 ans. Ses funérailles seront privées, respectant en cela les préceptes de la religion de sa famille, le zoroastrisme. Le 20 avril 1992, le public se réunit en mémoire de Mercury pour le concert du Freddie Mercury Tribute, donné au stade de Wembley. Des dizaines d’icônes de l’époque, au nombre desquelles Robert Plant, Annie Lennox, Guns N’ Roses, Extreme, Roger Daltrey, Def Leppard, Elton John, George Michael, David Bowie, Metallica et Liza Minnelli interprètent, avec les membres restants de Queen, une sélection de titres du groupe. Énorme succès, le concert sera suivi par des dizaines de millions de téléspectateurs de par le monde. Il figure au Livre Guinness des Records comme le plus grand concert de rock à but caritatif » et a permis de récolter 19 960 000 £ de dons destinés à la lutte contre le SIDA. Toujours en 1992, la popularité de Queen remonte en flèche aux États-Unis suite à la sortie du film Wayne’s World, dans lequel est reprise la célèbre Bohemian Rhapsody qui se hisse au second rang des classements et y demeure pendant cinq semaines. Queen ne s’est jamais réellement séparé, bien que leur dernier album constitué d’inédits originaux, Made in Heaven, arrive dans les bacs quatre ans après le décès de leur chanteur soit en 1995. Il est constitué de sessions de chant enregistrées en 1991 et d’ébauches mises de côté lors des enregistrements précédents. En outre, du matériel retravaillé issu de l’album solo de Mercury Mr. Bad Guy et un morceau déjà sorti dans le cadre du projet annexe de Taylor, The Cross, y sont ajoutés. Depuis lors, May et Taylor se sont souvent investis dans des projets visant à lever des fonds pour la lutte contre le SIDA. Deacon, pour sa part, reviendra travailler une ultime fois avec ses deux comparses en 1997 pour enregistrer le single No-One But You Only the Good Die Young. C’est la dernière chanson composée par le groupe et elle sera incluse en titre bonus sur la compilation Queen Rocks, plus tard la même année. L’héritage musical de Queen de nos jours Bien qu’ayant été rejeté par les critiques à leurs débuts, surtout aux États-Unis, Queen a fini par être plus récemment reconnu pour d’importantes contributions à plusieurs styles de musiques, comme l'arena rock, le heavy metal et le rock progressif ou encore le glam rock et la pop rock, entre autres. De fait, le groupe a très souvent été cité en référence par d’autres acteurs de la scène musicale. Queen a composé des musiques tirant leur inspiration de genres très variés tout en adoptant une attitude malicieuse et un ton irrévérencieux. Tout autant que leurs musiques, la liste de groupes et artistes qui ont dit tirer certaines influences ou inspiration de Queen ou d’un des membres est très variée et s’étend sur bien des pays ou générations. Au nombre de ceux-ci, on peut noter Ben Folds Five, The Darkness, Def Leppard, Extreme, Guns N’ Roses, Kansas, Metallica, Michael Jackson, Muse, Mika, Nirvana, The Smashing Pumpkins, Styx, Sweet, My Chemical Romance etc. Michael Jackson, proche de Mercury au début des années 1980, a cité l’album Hot Space comme une influence majeure dans le processus de création de son célèbre Thriller de 1982. Originellement, Mercury était d’ailleurs censé y faire une apparition. Stone Cold Crazy, tiré de l’album de 1974 Sheer Heart Attack est souvent présenté comme précurseur du sous-genre thrash metal ou speed metal. Metallica a enregistré une reprise de ce morceau, qui parut sur l’album Rubaiyat - Electra’s 40th Anniversary en 1990, et leur valut un Grammy Award en 1991. Montserrat Caballé, la célèbre cantatrice, a expliqué à plusieurs reprises comment la musique de Queen — et, dans une moindre mesure, des membres du groupe, constituait une excellente introduction au rock pour les amateurs d’opéra et réciproquement. De Nina Simone à Janelle Monáe, Madame Figaro a sélectionné 15 tubes qui célèbrent le Women année le 21 juin, pour Madame Figaro c'est à la fois la fête de la musique, et la célébration dans notre numéro du 22 juin d'une nouvelle génération de féministes qui prend la parole et nous enthousiasme Leïla Slimani, Juliette Armanet, Blanche Gardin en ont appelé à David Foenkinos, FabCaro et Fred Blin pour célébrer un engagement en faveur d'un monde plus mixte et plus égalitaire, femmes et hommes dans le même bateau…À découvrirSuri Cruise la petite fille gâtée d'Hollywood, ou l'histoire d'une enfant diabolisée par les médiasEt parce qu'un succès ne se fête jamais seul, cette fête de la musique est une magnifique occasion pour découvrir celles qui, en éclaireuses, depuis les années soixante jusqu'à aujourd'hui, ont su donner le tempo. En 15 titres, balade au cœur du Women notre playlist "Générations Féministes" sur Deezer"Feeling good", Nina Simone, 1965Cette chanson originellement écrite en 1964 par Anthony Newley et Leslie Bricusse pour la comédie musicale The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowddevient un tube avec la reprise de l'iconique Nina Simone. Véritable ode à la liberté, la chanteuse y évoque une renaissance, un nouveau départ "It's a new dawn, It's a new day, It's a new life".>Écouter la playlist sur Deezer"These Boots are made for Walkin'", Nancy Sinatra, 1966Dès sa sortie, le titre connaît un succès fulgurant, classé en première position des charts aux États-Unis et au Royaume-Uni. La chanson évoque une jeune fille qui refuse fermement les avances d'un homme plus âgé. La chanson aux accents pop est restée célèbre au fil des années grâce à son usage dans de nombreux films ou publicités dans Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, en 1987, par exemple.> Écouter la playlist sur Deezer"Respect", Aretha Franklin, 1967Originalement chantée par Otis Redding deux années avant la célèbre reprise d'Aretha Franklin, Respectraconte l'histoire d'une femme qui demande un minimum de respect à son "conjoint" lorsqu'il rentre à la maison le soir "All I'm askin'. Is for a little respect when you get home just a little bit. Hey baby just a little bit when you get home. Just a little bit mister just a little bit".>Écouter la playlist sur Deezer"Besoin de personne", Véronique Sanson, 1972La toute jeune Véronique Sanson exprime son besoin d'indépendance dans ses choix amoureux comme dans ses décisions. A travers une chanson émouvante et très personnelle, elle scande qu'elle n'a "besoin de personne pour choisir le chemin de sa vie".>Écouter la playlist sur Deezer"Dancing Barefoot", Patti Smith, 1979L'icône rock dresse ici le portrait d'une femme indépendante, libérée et forte "She is benediction. She is addicted to thee. She is the root connection. She is connecting with he", "I'm dancing barefoot".>Écouter la playlist sur Deezer"Girls just want to have fun", Cyndi Lauper, 1983Cindy Lauper et son cultissime Girls just wanna have chanson est un succès mondial des années 80. Véritable hymne féministe, la chanson raconte grosso modo que les filles ont elles aussi le droit de s'amuser, faire des "bêtises" et profiter de leur liberté, sans être mise à l'ombre par le sexe opposé passage spécialement intéressant "Some boys take a beautiful girl and hide her away from the rest of the world, I want to be the one to walk in the sun". Cependant, c'est surtout le clip qui permet à la chanson de faire partie de la pop culture américaine autobiographique la vraie mère de l'artiste joue… la mère, décalé et excentrique, il sera un des clips les plus populaires de son époque.>Écouter la playlist sur Deezer"Material Girl", Madonna, 1984Comme son nom l'indique, le tube de Madonna dénonce une société matérialiste où une jeune femme, devenue superficielle à cause de son environnement, rêve de richesse et d'amants fortunés plutôt que d'une histoire romantique classique. Provocateur, le titre et son clip s'inspirant de Diamonds Are a Girl's Best Friendde Marilyn Monroedeviennent le symbole d'une époque.>Écouter la playlist sur Deezer"Woman", Neneh Cherry, 1996Avec des paroles lourdes de sens, Neneh Cherry transmet un véritable message féministe. La chanteuse suédoise montre la difficulté d'être une femme, leur grande patience. "I've born and I've bread, I've cleaned and I've fed. And for my healing wits, I've been called a witch. I've crackled in the fire, and been called a liar. I've died so many times I'm only just coming to life".>Écouter la playlist sur Deezer"Man! I feel like a Woman", Shania Twain, 1997Dans ce titre de Come on Over, album le plus vendu de tous les temps par une artiste féminine solo, la chanteuse canadienne dit son désir d'émancipation. Dans la même registre que Girls just want to have fun, il est ici question de femme libérée, de fêtes folles sans aucune inhibition "No inhibitions, make no conditions. Get a little outta line. I ain't gonna act politically correct. I only want to have a good time".>Écouter la playlist sur Deezer"I kissed a girl", Katy Perry, 2008La chanson nommée aux Grammy Awardsest l'une des seules traitant de la bisexualité féminine. Sur un ton pourtant détaché, la chanteuse parle d'un sujet longtemps mis de côté l'émancipation sexuelle des femmes.>Écouter la playlist sur Deezer"On my shoulders", the Dø, 2008La chanteuse du duo français dénonce ici une grande charge émotionnelle et physique. Le personnage féminin dans lequel se glisse Olivia Merilahti semble avoir fait d'importants sacrifices pour satisfaire l'homme à ses côtés "Why would I carry such a weight on my shoulders? Why am I always by your side when you're down? Why did I help you build a beautiful house? And why did I break my back for you in the cold? And someday you'll see, next time I'll try it another way".>Écouter la playlist sur Deezer"Man down", Rihanna, 2010La superstar propose un titre résolument engagé, l'histoire d'une jeune femme, qui violée et poussée à bout, décide de tuer son agresseur. Le clip, très percutant fut tourné aux Caraïbes, référence à l'enfance de l'interprète barbadienne.>Écouter la playlist sur Deezer"Run the World", Beyoncé, 2011Le refrain du tube résume bien le message de Queen B "Who run the world ? Girls !".>Écouter la playlist sur Deezer"Beautiful Little Fools", Jorja Smith, 2017La jeune chanteuse britannique dénonce dans cette sublime chanson l'importance toujours donnée au physique des femmes. Selon elle, les femmes en oublient qu'elles sont fortes, intelligentes, beaucoup d'entre elles misant tout sur leur apparence. "Beautiful little fools. That's what us girls are destined for. Beautiful little fools. Born to be adored". Dans un clip plongeant dans une atmosphère à la Gatsby, Jorja Smith joue trois personnages issus de classes sociales radicalement différentes.>Écouter la playlist sur Deezer"Django Jane", Janelle Monaé, 2018Couplée avec un clip au casting exclusivement féminin, la chanson de la rappeuse martèle son engagement "We gave you life, we gave you birth, we gave you God, we gave you earth", dit-elle. Janelle Monaé évoque le droit des femmes, leur force et demande aux hommes de leur laisser la parole.>Écouter la playlist sur Deezer L'artiste R&B américaine a remporté dimanche le Grammy Award de la chanson de l'année pour I Can't Breathe, hymne réclamant la fin des discriminations raciales et des brutalités policières sorti dans la foulée des manifestations provoquées par le meurtre de George Floyd au printemps dernier. I Can't Breathe fait référence aux derniers mots prononcés par Eric Garner, un Américain noir mort asphyxié lors de son arrestation par la police à New York, en juillet 2014. Coup double pour Billie Eilish qui a raflé, avec Everything I Wanted, le Grammy Award de l'enregistrement de l'année pour la deuxième année consécutive, un exploit pour une artiste de seulement 19 ans qui avait remporté le grand chelem l'an dernier les quatre récompenses reines. Pour cette édition 2021, Billie Eilish a vaincu des stars comme Beyoncé, Dua Lipa et Post Malone dans la course à ce prix récompensant un titre pour sa performance globale, qui associe l'ensemble des professionnels qui ont participé à la réalisation et l'enregistrement du morceau. Album de l'année pour Taylor SwiftTaylor Swift a remporté le Grammy Award de l'album de l'année pour Folklore, premier de deux disques sortis durant le confinement sur lequel elle embrasse pleinement l'esthétique "cottagecore" du retour aux choses simples et campagnardes, très en vogue aux États-Unis. La conversion de Taylor Swift en belle des champs n'a pas empêché ce rouleau compresseur pop d'écraser ses principaux concurrents dans la course au Grammy suprême, parmi lesquels Coldplay, Dua Lipa, Post Malone et la reine Beyoncé. Record pour BeyoncéCette dernière, neuf fois nommée, a quant à elle battu le record de récompenses en carrière pour une artiste féminine aux Grammy Awards, avec 28 trophées. La chanteuse a d'abord reçu le prix de la meilleure vidéo musicale, partagé avec sa fille aînée Blue Ivy qui figure à ses côtés dans le clip de Brown Skin Girl. Beyoncé et sa dauphine Megan Thee Stallion ont reçu également un prix pour leur collaboration sur le tube Savage, sacré "meilleure performance rap". Queen B a ensuite décroché un nouveau Grammy dans la catégorie "meilleure performance R&B". Megan Thee Stallion "révélation de l'année"La rappeuse Megan Thee Stallion a dans la foulée remporté en solo cette fois, le prestigieux Grammy dans la catégorie "révélation de l'année". Cette récompense ne fait que consacrer le succès de l'artiste après une année marquée par la sortie de son premier album studio Good News, son tube Savage cité précédemment et un duo mémorable avec la star Cardi B sur WAP. Lady Gaga et Ariana Grande coiffent BTSBeyoncé est aussi en lice pour les Grammys convoités de l'enregistrement de l'année et de la chanson de l'année avec son titre Black Parade, sorti en juin dans la foulée des gigantesques manifestations antiracistes provoquées par la mort de George leur côté Lady Gaga et Ariana Grande ont remporté le Grammy de la catégorie "meilleure collaboration pop" avec leur single Rain On Me. Une récompense très commentée par les internautes qui imaginaient les BTS l'emporter avec leur tube la catégorie "meilleure performance pop solo" c'est Harry Styles qui a raflé la mise avec son titre Watermelon Sugar, qu'il a d'ailleurs interprété en ouverture de la cérémonie. Nas et The Strokes primésDans les autres catégories déjà récompensées, Britanny Howard, jusqu'alors connue avec son groupe Alabama Shakes, a remporté en solo le Grammy de la meilleure chanson rock tandis que Fiona Apple a décroché deux prix pour son album Fetch The Bolt Cutters, qualifié de "chef d'oeuvre" par de nombreux une catégorie rock où les artistes féminines étaient présentes en force, The Strokes a réussi à s'imposer pour le meilleur album rock avec The New Abnormal, le premier Grammy de leur pourtant longue carrière. Vieux briscard du rap, Nas a aussi remporté une première victoire dimanche après 14 nominations pour King's Disease, sacré meilleur album rap. Kanye West gagne dans la catégorie "musique chrétienne contemporaine"Le rappeur Kanye West a remporté son 22e Grammy Award. Non pas dans la catégorie rap qui l'a rendu célèbre, mais pour son disque évangélique Jesus Is King, élu "meilleur album de musique chrétienne contemporaine".La star nigériane Burna Boy s'est quant à lui imposé dans la catégorie de l'album de "musique du monde", célébrant son trophée comme "une grande victoire pour les Africains de ma génération, partout dans le monde. Ce doit être une leçon". L’actualité par la rédaction de RTL dans votre boîte mail. Grâce à votre compte RTL abonnez-vous à la newsletter RTL info pour suivre toute l'actualité au quotidien S’abonner à la Newsletter RTL Info

queen b de la pop américaine